Cursos de verano

Composición contemporánea

Roberto Morales [Mx] / Creadores en los Estados

Del 19 al 30 de julio / Lunes a viernes, 10:00 a 14:00 hrs. en el Laboratorio de audio

Dirigido a jóvenes y adultos de 17 años en adelante

Residencia en producción y de música con tecnología

Sin costo, previa inscripción

Experimentación gráfica con electrólisis

Sergio de Osio [NL]

Del 12 al 21 de julio / Lunes  a viernes, 17:00 a 21:00 hrs. y sábado, 10:00 a 15:00 hrs. en

el Laboratorio de experimentación 2

Dirigido a jóvenes y adultos de 17 años en adelante con interés en las artes visuales, y en particular en la neográfica,  con buen nivel de comprensión lectora

Propósito general: Facilitar al alumno las herramientas técnico conceptuales para elaborar grabado no tóxico con nueva tecnología

Costo: $500

Veranito urbano del Centro de las Artes

Del 12 julio al 6 de agosto / Lunes a viernes, 10:00 a 14:00 hrs.

Niños de 7 a 9 años (Grupo 1 y 2) / Niños de 10 a 12 años (Grupo 3 y 4)

El Centro de las Artes de San Luis Potosí Centenario ofrece un ciclo intensivo de talleres de iniciación a las artes, a partir de la interacción con todas las disciplinas artísticas que conforman el programa académico: música, danza, teatro, artes visuales (grabado, fotografía y cerámica), literatura y nuevas tecnologías (animación y video). Este año el CANTE incluye en este programa el taller Infantil de Cine impartido por Ma. Fernanda Suárez con el propósito de realización de animaciones y la apreciación de cine para niños.

Costo: $1000

Arte acción / cuerpo, espacio, tiempo

Lorena Orozco [Mx]

Del 19 al 23 de julio / Lunes a viernes, 10:00 a 15:00 hrs.

Dirigido a jóvenes y adultos de 17 años en adelante

Taller teórico-práctico de experimentación y exploración conceptual y corporal apuntando a una experiencia en el arte acción 

Costo: $300

Circuit Bend

José de Jesús Castro Martínez  [SLP]

Del 2 al 13 de agosto / Lunes a viernes, 17:00 a 20:00 hrs. en la Sala Audiovisual del CANTE

Acercar al participante al Circuit Bend y sus aplicaciones en la música actual, como un recurso más para la exploración de nuevos horizontes creativos y de composición, dirigido a alumnos y profesionales de música, arte sonoro y artes electró-nicas. 

Sin costo (previa inscripción)  

Imaginería digital

Roxana Thay Barraza [NL]

Del 2 al 13 de agosto

Lunes a viernes, 16:00 a 21:00 hrs. / Sábados, 10:00 a 15:00 hrs.

Curso-taller de realización de historietas y videoarte, con técnicas creativas y experimentales, dirigido a jóvenes y adultos con conocimientos básicos en artes visuales, de 17 años en adelante

Costo: $500

MECÁNICA DE INSCRIPCIÓN:

1. Llamar o acudir a las instalaciones del CANTE para llenar la Ficha de inscripción del taller. 

2. Realizar tu pago en Servicios escolares del CASLPC para validar tu inscripción y asegurar lugar. (En caso de no tener tu registro en el Centro de las Artes deberás de traer copia de la credencial del IFE, copia de comprobante de domicilio y 2 fotografías tamaño infantil) 

o realizar tu pago en Banorte

            No. de cuenta: 0583332105

            Nombre: Centro de las Artes de San Luis Potosí

En caso de pagar en Banorte llevar a las oficinas de Servicios escolares (Museo de Sitio del Centro de las Artes) el recibo de pago original con el nombre del taller(s) y del alumno de anotado al frente y 3 copias del mismo, junto con la documentación antes mencionada al menos tres días antes del inicio del curso.

3. Presentar en la Dirección del CANTE el recibo de pago firmado y sellado para permitir tu acceso al taller.

Convocatoria EJECT

Con la finalidad de alentar el uso del video como soporte para generar piezas de performance, el Instituto Nacional de Bellas Artes a través de Ex Teresa Arte Actual y P3RFORM4NC3, con el apoyo del Centro de Artes y Nuevas Tecnologías del Centro de las Artes de San Luis Potosí, convocan a los artistas y grupos dedicados al performance y otras disciplinas a participar en

EJECT
Tercer Festival de Videoperformance de la Ciudad de México

Bajo las siguientes bases:
1. Podrán participar los artistas de cualquier disciplina con una pieza de performance para video o video-performance cuya duración no sea mayor a 7 minutos. (No se aceptarán propuestas de documentación de acciones).

2. Las obras deberán entregarse en un sobre cerrado y rotulado de la siguiente manera: EJECT – FESTIVAL INTERNACIONAL DE VIDEOPERFORMANCE. Ex Teresa Arte Actual – Lic. Verdad 8, Centro Histórico, 06060, México D.F. Los sobres deberán rotularse con la leyenda: SIN VALOR COMERCIAL – PARA FINES CULTURALES ÚNICAMENTE.

3. Sólo se aceptarán obras presentadas en formato DVD (NTSC o Multiregión).

4. Se deberá anexar un sobre con la siguiente información impresa: título, nombre del artista o grupo, teléfono, e-mail y dirección postal, breve currículo del artista o grupo y breve descripción del video.

5. La fecha límite de recepción será el viernes 23 de julio de 2010 a las 17:30 horas. Se aceptarán aquellos trabajos que hayan sido enviados por correo de acuerdo con la fecha del matasellos.

6. Los miembros del jurado, cuyos nombres serán dados a conocer con posterioridad al fallo, seleccionarán hasta 25 videos teniendo como criterio la calidad de la imagen y la originalidad de la propuesta. Su fallo será inapelable.

7. Los videos seleccionados integrarán la muestra del Tercer Festival de Video Performance de la Ciudad de México que se celebrará los días 26 y 27 de agosto en Ex Teresa Arte Actual y posteriormente en el Centro de Artes y Nuevas Tecnologías del Centro de las Artes de San Luis Potosí y el Teatro Alberto M. Alvarado del Instituto Municipal de Cultura de Gómez Palacio, Durango.

8. Se informará a los seleccionados por correo electrónico y luego del festival se les entregará o enviará el videocatálogo que contendrá los trabajos seleccionados y su constancia de participación. Asimismo, las obras seleccionadas se exhibirán en diversos medios electrónicos.

9. No se devolverán los materiales. Se recomienda en todos los casos registrar los derechos de autor.

10. Este Festival se hace sin fines de lucro por lo que los organizadores no se harán cargo de gastos que pudieran generarse por la participación de los artistas y grupos (transporte, hospedaje, honorarios, ni gastos de envío).

11. Cualquier caso no previsto deberá presentarse al jurado para su resolución.

Para mayores informes:
videoeject@hotmail.com / p3rform4nc3@hotmail.com

http://videoeject.wordpress.com

Ex Teresa Arte Actual
Lic. Verdad 8
Centro Histórico, México D.F.
C. P. 06060
5522 9093 / 55222721
xteresa_arteactual@yahoo.com.mx
www.exteresa.bellasartes.gob.mx

Libro de Niña Yhared

Niña Yhared (1814)  
Es una de las artistas jóvenes más importantes del performance en México, su trabajo es reconocido a nivel nacional e internacional. Se ha especializado en la difusión y promoción del arte acción a través de su galería de performance «La Casa de la Niña». Estudió la licenciatura en Artes Visuales en la Escuela Nacional de Pintura, Escultura y Grabado, «La Esmeralda», del INBA, México, en donde se tituló con mención honorífica. Ha publicado los libros Hadas de mar (2001), que reúne 35 cuentos y dibujos a tinta; y su poemario erótico Estaciones del deseo (2005). Tiene una importante producción de pintura, estampa y dibujo, donde combina imágenes de sus cuentos eróticos y fotografías digitales. Entre sus exposiciones individuales destacan Hadas de mar, Lubricidad y Magia etérea.

Jueves 1 de julio

Presentación del libro

«El banquete de las ninfas»
de Niña Yhared (1814)

Sala 2, Plaza Centenario del Centro de las Artes de San Luis Potosí / 20:00 hrs.

Espectáculo performático

FOTOGRAFÍA: JORGE CAMPOS

Viernes 2 de julio / 21:00 hrs.
Espectáculo performático realizado por Niña Yhared (1814)
Espejo de agua del Centro de las Artes de San Luis Potosí Centenario
Entrada general: $20

El Banquete fue el lugar indicado para hacer una celebración de la feminidad, un festín del deseo y cuerpo de la mujeres en las sociedades globales. El acto de resignificar el cuerpo femenino es una lucha contra nuestros miedos y la violencia ejercida contra las mujeres. «El banquete de las ninfas», se inspira en uno de los cuentos de Yhared, donde hace una reflexión acerca de la belleza y la violencia en las mujeres, al mismo tiempo que se convierte en un festejo a lo femenino.


Niña Yhared (1814)  
Es una de las artistas jóvenes más importantes del performance en México, su trabajo es reconocido a nivel nacional e internacional. Se ha especializado en la difusión y promoción del arte acción a través de su galería de performance La Casa de la Niña. Estudió la licenciatura en Artes Visuales en la Escuela Nacional de Pintura, Escultura y Grabado «La Esmeralda», del INBA, México, en donde se tituló con mención honorífica. En doce años de carrera, ha realizado más de 50 performances, presentándose en los principales museos de la ciudad de México, como el Museo Universitario del Chopo, Ex Teresa Arte Actual, Museo de la SHyCP, antiguo Palacio del Arzobispado, Laboratorio de Arte Alameda y Centro Cultural España. También ha mostrado su trabajo en el extranjero: Galería PerforArt Spai, de Barcelona, Museo de Arte Contemporáneo de Tucson, Arizona, Colibrí Studio Gallery, National Museum of Mexican Art y Casa Aztlán, de Chicago Illinois, y la galería LACE (Los Angeles Contemporary Exhibitions), entre otros. En fechas recientes, ha montado los espectáculos Cabaret Performance (2006-2007) y Venus Cabaret (2008), en el Centro Nacional de las Artes (Cenart). Además, Venus Cabaret (2009) se presentó en Casa del Lago Juan José Arreola (UNAM).

Transmediale.10

Transmediale.10 FUTURITY NOW!

Transmediale es el festival más grande de Alemania para medios digitales, un foro de comunicación para los artistas, personas que trabajan en medios y público en general interesado en las artes.Transmediale.10 se presenta bajo el lema «Futurity now». El 2010 sirvió a los escritores y precursores del siglo XX como ejemplo para demostrar el progreso técnico y la armonía social en un futuro próspero. Pero, mientras más avanza el 2010, se vuelve más evidente que la sociedad mundial no es ni la utopía ni la distopía que estas ficciones, arquitecturas y teorías representan. El futuro mismo está experimentando una crisis de identidad. Este año contaremos con este evento tan complejo, provocador y cargado de poesía, con una selección de los mejores videos. Quedan todos invitados.


Viernes 25 de Junio de 2010 / 19:30 hrs.

Sala 2 del Centro de las Artes de San Luis Potosí Centenario

MUESTRA DE VIDEOS / CURADURÍA Y PRESENTACIÓN POR MARCEL SCHWIERIN

Presenta Centro Cultural Alemán de San Luis Potosí

en colaboración con Goethe Institut-Mexiko

VIDEOSELECCIÓN / TRANSMEDIALE.10

VIDEOSELECCIÓN

After the Empire | Elodie Pong

Suiza, 2008 (14 min.)

En After the Empire, Pong presenta conversaciones cara a cara entre varios iconos de la cultura popular e historia política tales como, Marilyn Monroe, Elvis Presley, Batman y Karl Marx. Rodeados por un set posapocalíptico, lo actores encarnan las características individuales y simbólicas de los personajes que encarnan, al extremo, sus deseos e ideales de una forma que resulta humorística.

Dear adviser | Vincent Meessen

Bélgica, 2009 (8 min.)

Meessen trabaja en un set en Chandigarth, el modelo de ciudad modernista planeada por Le Corbusier en 1950 como símbolo de la nueva, progresiva nación de la India, que justo ha surgido de su pasado colonial. La estructura arquitectónica está hecha en retícula, y emergiendo desde el centro de ésta misma está el Capitolio: un fantasma del poder político centralizado, la estructura que sobresale en una ciudad no terminada. Atormentado por los fantasmas del modernismo, deja espacio para las siluetas, voces y sonidos que tejen una fabula querida por el mismo arquitecto, la fabula que habla del Cuervo que quiso ser Águila. Dear Adviser es una remembranza poética a Le Corbusier y al supersticioso «consejero» disfrazado de legislador en Chandigarh.

Heroes no longer | Sun Xun

China, 2008 (9 min.)

Sun Xun, acerca de Heroes No Longer: La figura del «héroe» es un complejo histórico, un complejo que nos lleva a las transiciones de nuestra historia. Pero usualmente estos son ridículos. «Historia» aparece ante nosotros más como una especie de imagen mental o una realidad virtual.

Speech bubble | Adam Leech

Bélgica, 2008 (5 min.)

Speech Bubble es el proyecto de Leech para Manifesta 7, empezó como una investigación sobre la bancarrota de la compañía belga de alta tecnología en aparatos de reconocimiento de voz, Lernout & Hauspie. Justo como otras corporaciones multinacionales, «Lernout & Hauspie» eran una compañía visionaria, donde el dinero, las utopías tecnológicas y el culto a la personalidad entrepreneurial ayudaron a crear un «mercado burbuja». En 2001, ésta explotó. Speech Bubble es un dialogo corto entre un vendedor desempleado y su amante, Magdalena, quien parece ser un producto futurista de inteligencia artificial. Magdalena y el vendedor recuerdan los tiempos antes de que la compañía se fuera a la bancarrota. Sus memorias son botes a la deriva en la nostalgia corporativa, las estrategias económicas y el amor romántico. 

Le nouveau OMIZA | Hörner / Antlfinger

Alemania, 2007 (6 min.)

Desde mediados de los ochentas HONDA ha estado trabajando en el desarrollo de robots humanoides para uso en el ambiente humano. ASIMO, uno de los humanoides más avanzados, podrá en el futuro realizar tareas como, por ejemplo, cuidar personas de la tercera edad. Su contraparte OMIZA se coloca a sí misma en el otro lado del espejo. En compañía de una mujer él aprende en un mundo bien ordenado que existe sólo para él y su laberintico corazón. En Le nouveau OMIZA se trazan los primeros intentos de reconciliación entre lo humano y lo no humano, y una nueva forma de comunicación es puesta a prueba. La unión entre mujer y robot se refleja igualmente a través del sonido: La pieza de piano Gymnopédie No 1 de Erik  Satie’s, es interpretada por un pianista e igualmente por una composición de software.

Hypno project | Doug Fishbone

Reino Unido, 2009 (13 min.)

Hypno Project, examina cómo reacciona la gente ante estímulos mientras esta bajo la influencia de la hipnosis. Doce personas fueron hipnotizados por un profesional mientras veían un video del autor donde utilizaba una variedad de imágenes subliminales. Durante el trance a cada miembro de la audiencia se le dio instrucciones específicas para comportarse ante los diferentes estímulos visuales y auditivos. Fueron despertados luego, y grabados mientras veían el video. Los resultados fueron notables, y existen algunos momentos inusuales donde las personas respondieron de forma independiente y  sin conciencia. Estas reacciones aumentan una variedad de preguntas acerca de manipulación y condicionamiento expresivo, y la relatividad de la percepción de un individuo con el otro.

Murphy | Bjorn Melhus

Alemania, 2008 (4 min.)

Murphy es una proyección de sonidos y luces sincronizadas, donde el artista conscientemente se refugia en su propia figura. A diferencia de otras piezas más tradicionales de Melhus, en donde el artista incorpora diferentes roles, en Murphy se utiliza una reducción dramática a un campo abstracto de colores que se concentran exclusivamente en el sonido del metraje, que es resultado de un colaje de los momentos más significativos  de las principales películas bélicas. La secuencia de luces en el video está basada en fragmentos de sonidos provenientes de la película Blue Thunder (EE.UU. 1982), cinta que fue a principios de los años ochenta, utilizada como un medio para  rehabilitar a los veteranos de la guerra de Vietnam, a la vida civil. En la película original, el Capitán Frank Murphy es un buen policía y antiguo piloto de guerra en Vietnam, con Desorden de estrés postraumático, que combate contra el Teniente Coronel Cochrane, un policía corrupto y también veterano de Vietnam. Reintegrando a éstos veteranos de guerra a la vida civil, la guerra en si misma ha sido traída en forma inconsciente a casa y ha tornado el espacio aéreo sobre de la ciudad de Los Ángeles en un campo de batalla. En Murphy la visible corriente de luces de colores y la ausencia de imágenes, crean una película imaginaria. Murphy es un verdadero ensayo sobre el Desorden de estrés postraumático.

Rip in pieces America | Dominic Gagnon

Canada, 2009 (21 min.)

Rip in Pieces America es una proclamación sin censura de lo invisible en los Estados Unidos. Dominic Gagnon «no se hace de la vista gorda» en éste ultra intenso collage que consiste  completamente en clips capturados en cámara web, más o menos anónimos, que debido a su naturaleza controversial o explicita, han sido señalados y removidos de sitios web tales como Youtube. Teóricos de conspiraciones bien fundamentados, activistas ecologistas con mal genio y fanáticos religiosos usan la cámara web para dos propósitos: predicar y confesar, todos ellos han sido censurados, pero Gagnon ha almacenado estos clips, y el no comenta ni se embarca en la idea de apuntar culpables. ¿Pues quien decide que es lo que puede ser dicho o pensado? Y ¿Qué es paranoia, cuando lo que tú sabes es verdad?

MUESTRA DE VIDEOS / CURADURÍA Y PRESENTACIÓN POR MARCEL SCHWIERIN

Viernes 25 de Junio de 2010 / 19:30 hrs.

Sala 2 del Centro de las Artes de San Luis Potosí Centenario
Calzada de Guadalupe núm. 705, Col. Julián Carrillo, tel. 137 41 00 ext. 7003

Presenta Centro Cultural Alemán de San Luis Potosí

en colaboración con Goethe Institut-Mexiko

Realizadores / Transmediale.10

REALIZADORES

Elodie Pong

Es una artista y cineasta norteamericana nacida en 1966, conocida por su trabajo sutil y analítico, frecuentemente construido en ciclos o en series, los cuales se concentran en las relaciones humanas, los códigos culturales y su impacto en la sociedad contemporánea. Como socióloga y antropóloga, comúnmente enfrenta a las estructuras sociales con su trabajo artístico.  Su amplia obra en video gira en torno a preguntas de identidad y construcción de la identidad colectiva, intimidad y separación, auto estilización y situaciones de comunicación inestable en una sociedad pluralista e individualizada. Hasta 2004, sus proyectos, instalaciones y videos estuvieron enfocados en la inmediata visualización de estructuras sociológicas tales como la intimidad, la amistad, problemas de género y comunicación. Sus películas más recientes pueden ser vistas en varias capas de análisis y deconstrucción de éstos mismos temas, donde el espectador se vuelve parte de ellas, ofreciéndole diferentes lecturas de acuerdo a cuál de sus trabajos haya juntado. Elodie Pong ha recibido distintos premios y reconocimientos, su trabajo es exhibido mundialmente, ya sea en solitario o en grupo. Vive y trabaja en Zurich, Suiza.

Vincent Meessen

Nació en Baltimore en 1971, estudió periodismo y políticas culturales. Laboro como trabajador social y completo sus estudios de posgrado en el HISK (HIgher Institute for Fine Arts) en Antwerp. Su trabajo se desarrolla principalmente en la idea de los «espacios discutidos», tratando al territorio como un problema político. Alguna vez prefirió a la fotografía como su medio de expresión, ahora explora con distintos medios incluyendo entre ellos, el video. Su trabajo ha sido mostrado internacionalmente en una variedad de festivales y exhibiciones como el STUK (Leuven), Netwerk (Aalst) y Muhka_Media (Antwerp) y en el Oberthausen International Film Festival, donde fue premiado con el Grand Prize of the City of Oberthausen. Messen vive y trabaja en Bruselas, Bélgica.

Sun Xun

Artista chino nacido en 1980 que vive en Hangzhou, crea animaciones que combinan interpretaciones del dibujo a mano y materiales tradicionales con nuevas tecnologías. Estudió impresos en la China Academy of Fine Arts, pero su creciente interés en mover imágenes, lo condujo a encontrar su propio estudio de animación en 2006. Para crear sus meticulosas animaciones, Sun Xun produce una multitud de dibujos que incorpora al texto junto con la imagen. Sus temas abarcan desde los elementos encontrados en la historia mundial y política, hasta organismos naturales. El después filma los dibujos, los secuencia uno a la vez, para crear la sensación de movimiento y sugerir el pasar del tiempo, las maquinaciones de la historia, y la belleza inherente en las formas simples. Por más de una semana, Sun Xun, habito el Vault Gallery para desarrollar una nueva animación, una exposición- instalación relacionada con video y dibujo.

Adam Leech

Nacido en América y habiendo estudiado en el Chicago Art Institute así como en el Rijksakademie Amsterdam, Adam Leech es un pintor y video artista que combina estas dos técnicas para crear una fructuosa interacción entre los dos paradigmas estéticos. Su mayor referencia en la pintura es el Puntillismo y, en particular, la forma de crear lienzos de Seurat’s, donde cada punto de color tiene una identidad singular, positiva e individual, que constituye en manera importante su fuente de inspiración. Empezando con el francés maitre’s “puntos positivos”, la practica propia de Leech, investiga como producir «puntos negativos» en lugar de añadir textura y contorno éstos puntos funcionan creando un cuadro a través del borrado.

Hörner | Antlfinger

Ute Hörner colabora desde principios de los noventa con Mathias Antlfinger en sus prácticas que incorporan proyectos de cine interactivo así como instalaciones de 3-D en tiempo real y proyectos de arte en red. Las posibilidades y limitaciones de la comunicación por internet, las formas específicas en que los artistas y científicos conviven con sus computadoras y como esto determina su vida diaria y trabajo, o una visión de un futuro posible de medios canalizados son solo algunos de los asuntos que le preocupa a esta pareja de artistas. Desde 2009 ellos son profesores de arte mediático en la Academy of Media Arts Cologne. Ambos viven en Colonia y Berlín.

Doug Fishbone

Es un artista americano que vive y trabaja en Londres. Fishbone nació en Nueva York en 1969. Consigue una maestria en artes finas en el Goldsmiths College en 2003 y es premiado en el Beck’s Futures Prize for Student Film and Video en 2004. Tal vez es mejor conocido por su obra 30 000 Bananas, –una montaña enorme de plátanos justo en medio de la plaza de Trafalgar en Londres, y que después regaló a la audiencia– presentada en octubre de 2004. Los videos y performance de Fishbone, han sido incluidos en el British Art Show 6, el cual es un tour nacional de exhibiciones que toma lugar cada cinco años y muestra lo mejor del arte contemporáneo británico. Tuvo su mayor proyecto en solitario en el Gimpel Filsen en Londres en Octubre de 2006 y fue presentado en el Hayward Gallery de Londres así mismo en el Serpentine Gallery, ICA y KHOJ International en Delhi. 

Bjorn Melhus

Nacido en Kirchheim, Alemania, en 1966, Bjorn Melhus estudio cine y video en la escuela de arte de Braunschweig. Actualmente vive y trabaja en Berlín, recientemente su cinta Murphy ha sido galardonada en el 55 Internationale Kurzfilmtage Oberhausen Prize (2009). Recientemente se ha presentado en el Amerikan Hastanesi en Estambul y en el Denver Art Museum en EUA (2008), entre otras presentaciones. Bjorn Melhus ha trabajado como videoartista por más de 15 años y su obra es presentada en algunas de las mayores colecciones privadas y públicas del mundo, desde Alemania, Estados Unidos, Italia, España, etc.

Dominic Gagnon

Es inventor, director, instalador y actor activo de la escena internacional. Considera al cine como una técnica para medir lo inmedible o disciplinar el caos. Desde 1996, ha hecho presentaciones en público de imágenes en movimiento, ha inventado maquinas y conceptos, ha ejecutado trabajos sonoros, construido instalaciones y creado performances en distintas galerías, festivales y bienales alrededor del mundo. Para llevar a cabo sus proyectos, Gagnon ha hecho distintas investigaciones sobre: el declive de las economías (ISO, 2002), terror (Du moteur à explosion, 2000), violencia y crisis de identidad en los niños (The making of a cobra, 2004), los sistemas internacionales de adopción (Anchorage, 1998), mal información y vagabundez (High spee, 2007), Sadomasoquismo y fetichismo en la cultura popular (Blockbuster History, 2005) y la familia en la era del mega- entretenimiento (Beluga crash blues, 1997).

Viernes 25 de Junio de 2010 / 19:30 hrs.

Sala 2 del Centro de las Artes de San Luis Potosí Centenario

MUESTRA DE VIDEOS / CURADURÍA Y PRESENTACIÓN POR MARCEL SCHWIERIN

Talleres sobre el cuerpo

Imagen gráfica y digital

Talleres

Talleres de verano 2010

VERANO EN EL CANTE

Ética y estética del Dogma 95 / Jorge Ramírez Pardo [SLP]
Del 15 de junio al 17 de agosto, martes, 17:00 a 21:00 hrs. / $500 

Introducción al diseño y programación Web 
Myriam Beutelspacher y Macario Ortega (Centro Multimedia)
Del 21 de junio al 25 de junio, 17:00 a 21:00 hrs. / $400 

El cuerpo del artista: sus límites / Niña Yhared (1814)
Del 21 de junio al 2 de julio, lunes a viernes, 16:00 a 20:00 hrs. / $500

Composición electroacústica / Manuel Rocha [Mx.]
Del 12 al 16 de julio / Laboratorio de audio, lunes a viernes, 16:00 a 20:00 hrs.
Sin costo (previa inscripción)

Taller de experimentación gráfica con electrólisis / Sergio de Osio [NL]
Del 12 al 21 de julio, lunes  a viernes, 17:00 a 21:00 hrs., sábado, 10:00 a 15:00 hrs. / $500 

Veranito urbano del Centro de las Artes
Dirigido a niños de 7 a 12 años
Del 12 julio al 6 de agosto, lunes a viernes, 10:00 a 13:45 / $1000 

Arte acción / cuerpo, espacio, tiempo / Lorena Orozco [Mx.]
Del 19 al 23 de julio, lunes a viernes, 10:00 a 15:00 hrs. / $300 

Composición contemporánea / Roberto Morales [Mx.]
Del 19 al 30 de julio / Laboratorio de audio, lunes a viernes, 10:00 a 14:00 hrs.
Sin costo (previa inscripción) 

Circuit Bend / José de Jesús Castro Martínez
Del 2 al 13 de agosto, lunes a viernes, 17:00 a 20:00 hrs.
Sin costo (previa inscripción)

Imaginería digital / Roxana Thay Barraza [NL]
Del 2 al 13 de agosto, lunes a viernes, 16:00 a 21:00 hrs., sábado, 10:00 a 15:00 hrs. / $500 

Informes y talleres: Centro de Arte y Nuevas Tecnologías (CANTE) del Centro de las Artes San Luis Potosí,
Calzada de Guadalupe núm. 705,  Col. Julián Carrillo, Expenitenciaría. Tel. 137 4100, extensión 7003
consulta nuestras actividades en: http://centrodelasartesslp.gob.mx/home    
correo electrónico: informacion@canteslp.org    síguenos en twitter y facebook

Taller de performance

Este taller (teórico-práctico) presenta la posibilidad de ofrecer una propuesta interdisciplinaria, que involucre diferentes áreas de creación artística, en un proyecto de exploración visual, sonora y corporal. La intención es trabajar con el mayor número de jóvenes estudiantes y artistas interesados en reflexionar en el performance y el cuerpo como un territorio para las prácticas artísticas, y un instrumento de trabajo que busca resignificarlo por medio del lenguaje preformativo.


Del 21 de junio al 2 de julio de 2010 / de lunes a viernes de 17:00 a 20:00 hrs.
Instructora: Niña Yhared (1814)

OBJETIVO
Propiciar el diálogo entre la comunidad artística y cultural del Centro de las Artes de San Luis Potosí y la artista Niña Yhared; se plantea la realización del taller "El Cuerpo del Artista", en donde también podrán participar alumnos de las escuelas de arte y público interesado en el performance.

PERFIL DE INGRESO
Dirigido a jóvenes y adultos de 17 años en adelante, artistas visuales, videoastas, bailiarines, actores, músicos, programadores y cualquier persona interesada en el performance.

PERFIL DE EGRESO
Alumnos capaces de involucrarse en proyectos multidisciplinarios. Mentalidad abierta y capacidad de explorar, desde la perspectiva de hapening, situaciones límite, en donde el medio de expresión principal es el cuerpo.

Niña Yhared (1814) 

Es una de las artistas jóvenes más importantes del performance en México, su trabajo es reconocido a nivel nacional e internacional. Se ha especializado en la difusión y promoción del arte acción a través de su galería de performance "La Casa de la Niña". Estudió la licenciatura en Artes Visuales en la Escuela Nacional de Pintura, Escultura y Grabado, “La Esmeralda”, del INBA, México, en donde se tituló con mención honorífica.
En doce años de carrera, ha realizado más de 50 performances, presentándose en los principales museos de la ciudad de México, como el Museo Universitario del Chopo, Ex Teresa Arte Actual, Museo de la SHyCP, antiguo Palacio del Arzobispado, Laboratorio de Arte Alameda y Centro Cultural España. También ha mostrado su trabajo en el extranjero: Galería PerforArt Spai, de Barcelona, Museo de Arte Contemporáneo de Tucson, Arizona, Colibrí Studio Gallery, National Museum of Mexican Art y Casa Aztlán, de Chicago Illinois, y la galería LACE (Los Angeles Contemporary Exhibitions), entre otros.

El lavado en la pintura

En este momento se  lleva a cabo el curso-taller "El lavado como técnica expresiva. De lo matérico a lo gestual en el discurso del arte contemporáneo" donde la pintura matérica utiliza el lavado como una técnica creación. 
En este curso impartido por Margarita A. Félix Torres, que inició el 31 de mayo y concluirá este sábado, se desarrollarán propuestas individuales a partir del conocimiento de la historia gestual de la pintura matérica y de la demostración práctica del proceso.

Mi última foto

Cada instante de nuestra vida pasa rápidamente, y sin modo de volver, guardardamos en nuestra memoria estos momentos o en una fotografía donde la imagen queda plasmada sin explicar a detalle lo que sucedió.

La artista Esthel Vogrig, realizó el performance títulado «Mi última foto», prestando por el Centro de Arte y Nuevas Tecnologías (Cante) los días 14 y 15 de mayo, en dónde mostró  por medio de fotografías de infancia hasta el día de hoy, algunos de los momentos  Importantes de su vida. Estás fotografías, fueron una gran arma para su presentación, donde además utilizó una proyección de la trayectoria de sus movimientos para dar a la audiencia un mejor discurso en su performance. La artista emitió sonidos que generan en la escena una imagen real de ella misma, en cada movimiento representado en el escenario.

   Esthel Vogrig es una chica de origen italiano, llegada a México desde República Dominicana, y ahora ya nacionalizada mexicana, ella encuentra en la danza su mejor forma de expresión, y la combina con tecnologías como el audio y el video para generar obras complejas. Su trabajo no solo lo centra en el escenario sino que también ha llevado su arte a la calle. 

Ernesto Romero en vivo

El Cante presentó al compositor Ernesto Romero que junto con sus alumnos del taller de «Herramientas libres para la música» dieron un concierto en vivo el pasado 14 de mayo donde sorprendieron con piezas creadas por ellos en el taller que desarrollaron durante  dos semanas con la plataforma de hardware libre «arduino» basada en una sencilla placa de entradas y salidas simple y un entorno de desarrollo que implementa el lenguaje.

          
Al inicio del evento, el compositor y profesor del taller comentó la importancia del arduino en el que utiliza sensores,  focos y botones este se puede comprar pero en el caso de los alumnos del taller fue elaborado por ellos mismos apoyados en el programa supercollided que les sirve para mezclar las piezas que ellos van  improvisando. En un sentido más amplio se refiere a desafiar las nociones preesta-blecidas de lo que es la música.

Ernesto Romero  estudió composición en el CIEM y un tiempo matemáticas en la UNAM  con lo que ha podido implementar herramientas de ambas áreas a los algoritmos de programación en su taller.

Actualmente cursa un  diplomado en dirección coral que le permitió crear un coro en el Centro Multimedia. Así mismo su trabajo con la compañía de danza contemporánea «Los Platemintos» es parte de su quehacer en el arte electrónico experimental.


FOTOGRAFÍA: EZEQUIEL HERRERA

VERANO 2010

Ernesto Romero

música electrónica experimental

PRESENTACIÓN EN VIVO

Viernes 14 de mayo

ALUMNOS DEL TALLER "HERRAMIENTAS LIBRES PARA MÚSICA ELECTRÓNICA" Y ERNESTO ROMERO

Sala Audiovisual del CANTE / 19:00 hrs.

ENTRADA LIBRE

Ernesto Romero

Estudió composición en el CIEM y un tiempo matemáticas en la UNAM con lo que ha podido implementar herramientas de ambas áreas a los algorítmos de programación en el taller. Al mismo tiempo cursa un diplomado en dirección coral que le permitió crear un coro en el Centro Multimedia. Su relación con otras disciplinas artísticas lo ha impulsado a desarrollar e investigar interfases electrónicas que produzcan o contribuyan  a la interdisciplina. Dentro del Centro Multimedia imparte regularmente cursos de SuperCollider3 y cada jueves mantiene las puertas abiertas del taller para brindar asesorías a quien esté interesado en conocer o aplicar los conocimientos que se generan en este. Es cofundador del grupo de experimentación visual-sonora "mU" en el que se vuelcan varios de los resultados de las investigaciones y experimentaciones del taller. Así mismo su tabajo con la compañia de danza contemporánea Los Platemintos es parte de su quehacer en el arte electrónico experimental.

SOLOS EN VIVO

http://inquietando.wordpress.com/

Jueves 13 y viernes 14 de mayo
20:00 hrs. / Área de Teatro del Centro de las Artes de San Luis Potosí Centenario
ENTRADA LIBRE

mi última foto

ACCIÓN EN VIVO
“Cada fotografía es un certificado de presencia…” Roland Barthes

Dirección, interpretación y video: Esthel Vogrig

En este trabajo unipersonal se exploran las implicaciones de la realidad de una imagen. Una foto como prueba de un instante vivido, una foto que implica la muerte inmediata del presente, una foto que es seguida por otra hasta llegar a la última. Es un constante juego entre lo vivo y la imagen, entre el momento pasado y el presente, entre la realidad que se convierte en imagen y la imagen que se transforma en una prueba de lo real.

Mi última foto habla de la muerte desde una perspectiva visual, hace presente el paso inevitable del tiempo. La interfase diseñada para este performance, hace que con cada sonido emitido en escena se genere una imagen en tamaño real de la intérprete. Cada foto borra la anterior y cada foto registra la imagen de la foto anterior hasta desaparecer. Fotos que son borradas inmediatamente y que sólo existen en el breve momento que antecede la siguiente foto, como el presente que inevitablemente genera el pasado.

resonando
ACCIÓN EN VIVO

Coreografía e interpretación: Alma Quintana
Diseño sonoro en vivo: Jxel Rajchenberg y/o Fernando Lomelí

Cuando escuché las vibraciones que emite el sonido de la voz a través de un estetoscopio me vino a la mente la distancia que existe entre el sonido‐movimiento emitido, el eco y la escucha o percepción de este hecho. Resonar/ Resonancia: vibraciones que persisten, que coinciden, ondas que aumentan, átomos que se enlazan...

Solo escénico que se amplifica a través del cuerpo, emitiendo sonidos, energía y ecos. ¿Cuál es la distancia entre sonido-movimiento?  Dialogo entre el eco y la escucha o percepción de este hecho. Resonar: transmitir fenómenos internos, significa reforzar las frecuencias, es un nivel más profundo de comunicación, tiene que ver con la disposición de ambas partes donde las ondas coinciden, se enlazan. Significa acompañar, significa sin YO.

Resonar es un nivel más profundo de comunicación, tiene que ver con la disposición de ambas partes, con un continuo feedback que se convierte en un proceso de complementación. Amplificar la voz, amplificar el propio cuerpo a través del movimiento significa transmitir distintos fenómenos internos, significa reforzar las frecuencias, prolongarlas, transmitirlas.

Resonar, repetir, reforzar, reencontrar, rearmar, religar, recrear... RE

A partir del juego sonoro de la nota RE se interactua en y con el espacio. Algunas acciones y sonidos se amplifican a través de un micrófono. Un cuerpo presente se prolonga y resuena en otra presencia: un vestido que cuelga, que vibra. RESONANDO es una íntima investigación y relación entre cuerpo sonido, entre lo que suena y resuena, entre lo que nos sucede dentro y su prolongación y transmisión hacia fuera.

INQUIETANDO acción-Es / reflexión-Es sobre la creación coreográfica

inquietando
acción-Es / reflexión-Es sobre la creación coreográfica

Instructoras: Esthel Vogrig y Alma Quintana

Este taller (teórico-práctico) se abre como plataforma de reflexiones y resonancias, donde se ofrecerán: lecturas, análisis de videos, discusiones, y ejercicios creativos, para entender con mayor profundidad lo que está sucediendo a nivel mundial en el arte escénico. Durante diversas sesiones se desarrollarán herramientas para reflexionar sobre nuestra práctica profesional, sobre el panorama actual de la danza contemporánea a nivel nacional e internacional, sobre la apertura hacia distintas formas de creación y se abordarán algunos conceptos y paradigmas desarrollados por distintos autores-creadores-curadores.


Del 10 al 14 de mayo de 2010
Área de Teatro / Lunes a viernes de 10:00 a 14:00 hrs.
Centro de las Artes de San Luis Potosí Centenario
Calzada de Guadalupe Núm. 705, Col. Julián Carrillo
Costo $400

www.inquietando.wordpress.com

Talleres CANTE abril - mayo 2010

Te invitamos a nuestros talleres en arte y nuevas tecnologías, revisa nuestra oferta académica completa, inscripciones abiertas!!!

MECÁNICA DE INSCRIPCIÓN:

1. Llamar o acudir a las instalaciones del CANTE para llenar la Ficha de inscripción del taller. 


2. Realizar tu pago en Servicios escolares del CASLPC para validar tu inscripción y asegurar lugar. (En caso de no tener tu registro en el Centro de las Artes deberás de traer copia de la credencial del IFE, copia de comprobante de domicilio y 2 fotografías tamaño infantil) 


o realizar tu pago en Banorte
            
No. de cuenta: 0583332105
            
Nombre: Centro de las Artes de San Luis Potosí

En caso de pagar en Banorte llevar a las oficinas de Servicios escolares (Museo de Sitio del Centro de las Artes) el recibo de pago original con el nombre del taller(s) y del alumno de anotado al frente y 3 copias del mismo, junto con la documentación antes mencionada al menos tres días antes del inicio del curso.


3. Presentar en la Dirección del CANTE el recibo de pago firmado y sellado para permitir tu acceso al taller.


INFORMES CENTRO DE ARTE Y NUEVAS TECNOLOGÍAS (CANTE)
DEL CENTRO DE LAS ARTES DE SAN LUIS POTOSÍ CENTENARIO

Calzada de Guadalupe Núm. 705, Col. Julián Carrillo

teléfono (444) 137 41 00 ext. 7003

correo electrónico informacion@canteslp.org